Перед биографическими фильмами, или, как их еще называют, байопиками, зачастую стоит сложная задача – не просто показать зрителю череду событий, произошедших когда-то с кем-то знаменитым, а раскрыть его внутренний мир так, чтобы всем стало понятно, из-за чего этот «кто-то» остался в истории. В Международный день биографов мы расскажем, как кинематографисты работают с характерами творческих людей и почему у одних это получается лучше, чем у других.
«Контроль» (2007) рассказывает историю Иена Кертиса, солиста группы Joy Division, страдавшего от эпилептических припадков, трудностей в браке и одиночества. Фильм основан на мемуарах «Touching from a distance» его жены, Деборы Кертис, а режиссером выступил дебютант, фотограф и клипмейкер Антон Корбейн, лично знавший музыканта и снявший для группы в 1988-м году клип на песню Atmosphere. Таким составом создателей, а также саундтреком от New Order, бывших членов Joy Division, уже можно было бы объяснить успешность фильма в передачи характера и мировосприятия Кертиса. Однако достоинства «Контроля» заключаются не только в достоверности фактов, лишь слегка подправленных в угоду драматургии, но и в том, как видение музыканта подчеркивается визуальной составляющей картины. Фильм черно-белый – изначально он был снят в цвете, и уже на пост-обработке переведен в монохром. Таким наиболее заметным приемом сразу подчеркивается общий тон картины – депрессивный и безрадостный. К тому же, черно-белое изображение выполняет еще одну задачу. Часто Корбейн выстраивает композицию кадра так, чтобы он напоминал фотографии британских музыкальных групп, в том числе Joy Division, которые он делал в 80-е, и также на монохромную пленку – это был первый крупный проект фотографа.
Основная тема картины – потеря контроля Кертисом не только над собственным телом из-за эпилепсии, но и над всей своей жизнью. У него рушится брак, срываются концерты из-за болезни, работа над новыми песнями идет сложнее из-за побочных эффектов принимаемых им лекарств. Основные этапы этого процесса отражены и на экране. Конечно, у героя Сэма Райли, исполнившего главную роль, по мере взросления меняется прическа и стиль в одежде, но основным приемом картины является работа с камерой. Ближе к финалу все чаще появляются крупные центрированные планы Кертиса, а на смену ручной съемке, часто встречавшейся в начале картины и которой подчеркивался протестный дух музыкантов, приходят статичные долгие планы, усиливающие ощущение одиночества персонажа.
Отдельное достижение «Контроля» – актерская игра Сэма Райли, точно попавшего в образ и исполнившего все песни самостоятельно. Большинство показанных в фильме выступлений точно повторяют сохранившиеся записи выступлений Joy Division, но не во всем. Самое известное видео музыкантов – эфир на шоу Тони Уилсона с песней Transmission, изменено так, чтобы ярче показать чувства Кертиса. Камера берет много крупных планов музыканта во время гитарных соло, Райли не так много танцует, большое внимание уделяется его взгляду. Именно с этого момента в фильме события начинают идти к трагическому финалу, и этим выступлением Корбейн точно выражает то, насколько запутано себя ощущает Иэн Кертис.
«Человек на Луне» (1999) выбирает другой путь. Во главе этого фильма стоит игра Джима Керри, который ради роли полностью перевоплотился в комика Энди Кауфмана. На съемках он требовал называть себя Энди даже на перерывах, постоянно устраивал съемочной команде розыгрыши в стиле героя картины, выводя из себя очень спокойного по характеру режиссера Милоша Формана. Более того, Джерри Лоулера, игравшего рестлера и заклятого противника Кауфмана, он перед совместными сценами раздражал настолько, что зачастую гнев его героя в кадре относился непосредственно к Керри. Повторение стиля Кауфмана в картине настолько точное, что в сценах из фильма могут совпадать с реальными шоу даже движения пальцев двух комиков.
Несмотря на сильные внешние различия, Керри смог невероятно убедительно передать образ Кауфмана, сохранить как его характер, так и мимику и жесты. Но основная проблема «Человека на Луне» заключается в том, что он не идет дальше обычной формы голливудского биографического фильма. Милош Форман, чехословацкий режиссер, один из немногих кинематографистов этого государства, сумевший добиться широкого признания на западе. В его фильмографии также есть «Призраки Гойи» (2006) и «Народ против Ларри Флинта» (1996), выдающиеся, но все равно сохраняющие строгую форму байопика картины, интересные, в первую очередь, историей и сильными актерскими работами. В «Человеке на Луне» крайне важна личность Кауфмана, одного из первых комиков-постмодернистов, который смело экспериментировал с юмором и во многом сформировал комедию в ее современном, часто абстрактном виде. Однако Форман не использует дополнительных приемов для передачи видения Кауфмана. Исключение – вступительная сцена, в которой герой Керри ломает четвертую сцену и предупреждает зрителя, что фильм получился неудачным, из-за чего он закончится, так и не начавшись. Идут титры, и после продолжительной паузы Кауфман объясняет, что таким способом хотел избавиться от тех зрителей, которые не готовы понять его стиль юмора. Этот момент сразу настраивает на нужный, слегка сюрреалистичный лад, свойственный Кауфману, однако совсем не свойственный фильму.
«Ван Гог. На пороге вечности» (2018) — это картина, идущая уже по противоположному «Человеку на Луне» пути. Джулиан Шнабель, художник и режиссер ленты, крайне живо передает на экране видение мира Ван Гогом, и использует для этого практически все возможные приемы. Он заявлял, что этот фильм – не «официальная» история, а его интерпретация, которая, как он надеется, сделает зрителя ближе к художнику. В прессе отмечали, что Ван Гог в исполнении Уиллема Дефо нетипичен – он выглядит человеком с миссией, которую он (часто маниакально) исполняет. Именно это и отражено в картине: когда Ван Гог находится за работой, множество крупных планов главного героя чередуются с тем, что он желает запечатлеть в своих работах – поле, подсолнухи, свой сапог. В таких сценах часто используется широкоугольный объектив, который вкупе с игрой Дефо, усиленной такой операторской работой, передает динамику картин Ван Гога, творческую энергию художника. Ее также подчеркивает сравнение Винсента с Полем Гогеном, роль которого исполнил Оскар Айзек. Их взгляды на искусство различны, как и отношение окружающих к ним. Гогену симпатизируют жители маленького городка, в то время как Ван Гога сторонятся. В совместных сценах камера часто концентрируется на эмоциях героя Дефо, пытающегося понять это различие, но при этом не отходящего от собственных принципов.
Уединение Ван Гога от общества – это одна из главных тем фильма, которая выражается и визуально. В начале картины есть несколько сцен в городе, рассказывающих о том, почему Винсент уезжает в провинцию: картины художника не покупают, его выставка срывается, в обществе художников к нему также относятся несправедливо. Теснота и духота городской среды, неуютной для главного героя, усилены серой цветокоррекцией, которая уступает место ярким, теплым краскам в сценах в сельской местности. Отдельно стоит упомянуть саундтрек, написанный Татьяной Лисовской. Сложные оркестровые мелодии ложатся на спокойные партии на фортепиано и духовых инструментах, и работу с тем, как они сочетаются с душевными волнениями Ван Гога, можно назвать одним из главных достоинств фильма.
